Phidias

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Phidias (auch Phidias) war nach seinen Zeitgenossen der berühmteste aller griechischen Bildhauer. Leider ist, außer durch Kopien, kein Beispiel seiner Arbeit erhalten geblieben. Obwohl wenig über sein frühes Leben bekannt ist, erlangte er während der Herrschaft des Staatsmanns, Kommandanten und Redners Perikles um 449 v. Chr. Im Goldenen Zeitalter von Athen Bekanntheit. Phidias ist am bekanntesten für seine drei athenischen Denkmäler für Athena, die jungfräuliche griechische Göttin der Weisheit und des Krieges, sowie für die Zeus-Statue am Zeus-Tempel in Olympia, einem der sieben Weltwunder der Antike. Angeblich waren seine Werke so inspirierend, dass die Leute glaubten, er habe die Majestät der Götter erlebt und sie der Menschheit durch seine Skulpturen offenbart.

Athena in Athen

Über Phidias ist aus seiner Jugend nur bekannt, dass er der Sohn des Charmides (nicht des gleichnamigen Staatsmannes) und ein Schüler der athenischen Bildhauer Hegias und Hageladas war. Als Perikles um 461 v. Zu den berühmtesten Werken des Bildhauers gehörten drei Monumente auf der Akropolis für die Göttin Athena: die 9 Meter hohe Bronze Athena Promachos, die 456 v. Chr. fertiggestellt wurde und eines seiner früheren Werke; die bronzene lemnische Athena, die den Kolonisten von Limnos gewidmet ist; und schließlich für den Parthenon die Athena Parthemos.

Phidias wurde für den Wiederaufbau des Parthenon verantwortlich gemacht.

Nach modernen Forschungen war die Athena Parthenos, die 447 v. Sie war mit einer Tunika bekleidet, trug eine Aegis (eine Art Schild), die mit dem Kopf der Medusa geschmückt war, und einen Helm. In der rechten Hand hielt sie ein Bildnis von Nike, der Siegesgöttin, und in der linken hielt sie einen Speer. Die Parthenos standen hinter einem seichten Teich, der mit Öl gefüllt war, nicht nur, um die Statue zu reflektieren, sondern auch, um zu verhindern, dass das Elfenbein der Statue in der trockenen athenischen Hitze bricht.

Als Freund von Perikles wurde Phidias als Generaldirektor und Aufseher für den Wiederaufbau des Parthenon verantwortlich, obwohl der griechische Historiker Plutarch des späten 1. Die Akropolis und das alte Parthenon wurden während der Perserkriege zerstört. Die neue Struktur sollte den Mut der Griechen bei ihrem späteren Triumph über die persischen Invasoren darstellen. Plutarch in seinem Griechisches Leben sprach von Phidias, seiner Beziehung zu Perikles und seiner Athena-Skulptur in einem Kapitel über den griechischen Staatsmann. Er schrieb,

Phidias schuf die goldene Statue der Göttin, und sein Name ist als Hersteller auf der Stele eingraviert. Er leitete fast alles und war, wie gesagt, der Generaldirektor aller Handwerker - eine Position, die er durch seine Freundschaft mit Perikles erlangte. Dies machte die Menschen nicht nur eifersüchtig auf Phidias, sondern erwies sich auch als ein weiterer Vorwand, um Perikles zu verleumden … (157).

Zeus bei Olympia

Während seine Denkmäler für Athena ihn berühmt machten, war sein größtes Meisterwerk die Statue im Tempel des Zeus in Olympia. Es dauerte acht Jahre, bis es 430 v. Chr. fertiggestellt wurde. Der Zeustempel galt als eines der sieben Weltwunder der Antike. Auf einem Thron sitzend, hielt Zeus wie Athena in seiner rechten Hand das Bildnis von Nike und in seiner linken ein Zepter. Die Statue war über 12,8 m hoch – sogar größer als die Athena Parthenos – und bestand aus Elfenbein und Gold. Auch hier, wie so viele seiner anderen Werke, existieren der Tempel und die Statue nicht mehr, da sie durch Feuer und Erdbeben zerstört wurden. Es verfiel in Trümmer und wurde schließlich von einem Erdrutsch und Flussschlick bedeckt.

Schande & Tod

Die letzten Jahre von Phidias sind ein Rätsel. Die Feinde des Perikles beschuldigten den Bildhauer, bei der Herstellung von Athena Parthenos nicht nur Gold, sondern auch Elfenbein gestohlen zu haben. Laut einigen Autoren konnte er zwar seine Unschuld an dieser Anklage beweisen, wurde aber auch der Gottlosigkeit für seine Porträts von Perikles und sich selbst auf Athenas Schild beschuldigt. Plutarch unterstützte die Idee, dass Phidias schuldig gewesen sein könnte, obwohl er sagt, dass der "Diebstahl nicht bewiesen wurde". Die Feinde des Perikles blieben jedoch hartnäckig in Bezug auf die Gottlosigkeit, so dass Phidias eingesperrt wurde und im Gefängnis starb. Die Freundschaft des Bildhauers mit Perikles führte offenbar dazu, dass er sich „auf eigene Rechnung eine Gruppe von Feinden aneignete, einfach weil sie auf ihn eifersüchtig waren …“ (172). Plutarch fügte hinzu: "Also wurde Phidias ins Gefängnis gebracht, wo er an einer Krankheit starb, obwohl Perikles Feinde laut einigen Schriftstellern dafür sorgten, dass er an einer Vergiftung starb, um Perikles zu diskreditieren." (172).

Liebesgeschichte?

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Die Anwesenheit des Bildhauers in Olympia wird durch die Entdeckung seiner Werkstatt bezeugt und die Fertigstellung des kolossalen Zeus beweist, dass er nicht im Gefängnis gestorben ist - er wurde möglicherweise verbannt oder floh aus Angst um sein Leben nach Olympia. Obwohl er vielleicht nicht im Gefängnis gestorben ist, glauben viele, dass er von den Eleanern getötet wurde. Er gilt als der größte der athenischen Bildhauer und es ist bedauerlich, dass sein Gedächtnis und sein Handwerk nur durch Kopien und das Testament zeitgenössischer Autoren in Erinnerung bleiben. Er beeinflusste jedoch unzählige Künstler nicht nur in Griechenland, sondern auch in Rom.


Assassin's Creed Odyssey: So retten Sie Phidias

Kannst du Phidias vor dem Kult des Kosmos in der Assassin's Creed Odyssey-Quest namens Escape from Athens retten?

Du musst helfen Phidias in dem Flucht aus Athen Quest in Assassin's Creed Odyssey. Phidias ist ein berühmter Maler, Bildhauer und Architekt in der griechischen Geschichte, und im Spiel ist er eines der Ziele des Kosmos-Kults. Es ist am besten, mindestens Level 15 zu sein, bevor Sie sich dieser Herausforderung stellen.

Seine Arbeit war für ihre Schönheit und Raffinesse bekannt, aber das brachte ihn ins Visier dieser Gruppe, als sie ihn vor Gericht stellten, um ihn einzusperren. Du musst speichern Phidias, um ihm zu erlauben, seine Arbeit fortzusetzen, aber wirst du ausreichen, um den Kult daran zu hindern, ihn zu finden?


Phidias

Phidias gilt allgemein als der größte griechische Bildhauer, wurde um 500 v. Chr. in Athen geboren. C . Von seinem Leben wissen wir außer seinen Werken wenig, und von seinen Werken sind keine übrig geblieben. Ihm wird normalerweise zugeschrieben, die Zeus-Statue in Olympia, eines der sieben Weltwunder der Antike, und die riesige Bronzestatue der Athena außerhalb des Parthenon geschaffen zu haben. Er ist auch eng mit Perikles und seiner Rekonstruktion des Athens während des Goldenen Zeitalters verbunden. Über seinen Tod haben wir zwei widersprüchliche Berichte, aber die wahrscheinlichere von Plutarch ist, dass er von den politischen Feinden des Perikles angegriffen wurde und im Gefängnis von Athen starb.

P HIDIAS ABSCHLUSS DES P ARTHANON
Plutarch gibt in seinem Periklesleben einen reizvollen Bericht über die ungeheure künstlerische Tätigkeit, die in Athen während der Regierungszeit dieses Staatsmannes stattfand. Er benutzte zur Dekoration seiner eigenen Stadt das Geld, das Athens Verbündete für die Verteidigung gegen Persien zur Verfügung stellten: Es ist ein großes Glück, dass Persien nach der Zeit von Xerxes keinen bewussten Versuch gegen Griechenland unternommen hat. "Bei all diesen Werken", sagt Plutarch, "war Phidias der Berater und Aufseher von Perikles." Phidias führte sein eigenes Porträt und das des Perikles auf dem Schild seiner Parthenon-Statue ein. Und durch Phidias schlugen die politischen Feinde des Perikles auf ihn ein. Es zeigt sich also reichlich, dass Phidias eng mit Perikles verbunden war und ein herrschender Geist in der athenischen Kunst dieser Zeit war. Aber es ist nicht leicht, über diese allgemeine Behauptung hinaus ins Detail zu gehen.

Es ist wichtig zu bemerken, dass wir, wenn wir den Ruhm des Phidias auf die Skulpturen des Parthenon stützen, mit wenigen Beweisen vorgehen. Kein alter Schriftsteller schreibt sie ihm zu, und er hat selten, wenn überhaupt, Werke in Marmor ausgeführt. Wofür er in der Antike gefeiert wurde, waren seine Statuen in Bronze oder Gold und Elfenbein. Wenn Plutarch uns sagt, dass er die großen Werke des Perikles auf der Akropolis beaufsichtigte, ist dieser Satz sehr vage. Andererseits belegen Inschriften, dass die für die Giebelstatuen des Parthenon bestimmten Marmorblöcke erst 434 v. Chr. nach Athen gebracht wurden. C., die wahrscheinlich nach dem Tod des Phidias war. Und es gibt einen deutlichen stilistischen Kontrast zwischen diesen Statuen und den bestimmten Werken von Phidias. Es ist daher wahrscheinlich, dass die meisten, wenn nicht sogar die gesamte skulpturale Dekoration des Parthenon das Werk von Schülern von Phidias, wie Alcamenes und Agoracritus, und nicht von seinen eigenen war.

Das früheste der großen Werke von Phidias waren Widmungen zum Gedenken an Marathon, aus der Beute des Sieges. In Delphi errichtete er eine große Gruppe in Bronze mit den Figuren von Apollo und Athena, mehreren attischen Helden und Miltiades, dem General. Auf der Akropolis von Athen stellte er ein kolossales Bronzebild der Athena auf, das weit draußen auf dem Meer zu sehen war. Zu Pellene in Achaia und zu Plataea fertigte er zwei andere Statuen der Athena an, auch eine Statue der Aphrodite in Elfenbein und Gold für das Volk von Elis. Aber unter den Griechen selbst waren die beiden Werke des Phidias, die alle anderen weit überstrahlten und die Grundlage seines Ruhms waren, die kolossalen Figuren in Gold und Elfenbein des Zeus in Olympia und der Athena Parthenos in Athen, die beide etwa zu den Mitte des 5. Jahrhunderts. Von dem Zeus haben wir leider alle Spuren verloren, mit Ausnahme kleiner Kopien auf Münzen von Elis, die uns nur eine allgemeine Vorstellung von der Haltung und dem Charakter des Kopfes geben. Der Gott saß auf einem Thron, von dem jeder Teil als Boden für skulpturale Dekorationen verwendet wurde. Sein Körper war aus Elfenbein, sein Gewand aus Gold. Sein Kopf war von etwas archaischer Art: Die Otricoli-Maske, die früher als Kopie des Kopfes der olympischen Statue galt, ist sicherlich mehr als ein Jahrhundert später im Stil. Von der Athena Parthenos sind in Athen zwei kleine Marmorkopien gefunden worden, die keine hervorragende Ausführung haben, aber einen gewissen Beweiswert in Bezug auf die Behandlung ihres Originals haben.

Antike Kritiker schätzen die Verdienste von Phidias sehr hoch ein. Was sie besonders loben, ist das Ethos oder dauerhafte moralische Niveau seiner Werke im Vergleich zu denen der späteren "pathetischen" Schule. Demetrius nennt seine Statuen erhaben und gleichzeitig präzise. Daß er auf dem Kamm einer prächtigen Kunstwelle ritt, ist nicht zu bezweifeln, aber es ist zu bedauern, daß wir kein Stück Arbeit mehr haben, für das wir ihn mit Sicherheit zur Rechenschaft ziehen können.


Meister der antiken griechischen Kunst: Phidias, Polykleitos und Myron

Eine Rekonstruktion der Zeus-Statue von Phidias in einem Stich von Philippe Galle aus dem Jahr 1572 nach einer Zeichnung von Maarten van Heemskerck

Phidias, Polykleitos und Myron sind drei der bekanntesten Namen der antiken griechischen Kunst. Ihr Ruf lebt in Kopien klassischer Skulpturen weiter.

Über diejenigen, die antike griechische Kunst geschaffen haben, ist wenig bekannt, da die meisten als bloße Handwerker galten. Die Namen einiger Meister der Klassik sind jedoch über die Jahrhunderte erhalten geblieben, auch wenn ihre Werke dies nicht getan haben.

Phidias, Polykletos und Myron gehörten zu denen, die zu ihren Lebzeiten gefeiert wurden. Dank der Nachfrage nach Repliken ihrer Werke und der Aufmerksamkeit der antiken Historiker ist ihr Vermächtnis nicht in Vergessenheit geraten.

Phidias und seine chryselephantinischen Statuen

Phidias (oder Phidias) war vielleicht der berühmteste Künstler des goldenen Zeitalters Griechenlands. Phidias, ein Athener, lebte zur Zeit des Perikles in der Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr., als Athens Macht und kultureller Einfluss auf ihrem Höhepunkt waren.

Phidias war besonders berühmt für seine riesigen Chryselephantin-Statuen (dh mit Gold und Elfenbein verzierte Skulpturen). Seine Zeus-Statue in Olympia war traditionell eines der sieben Weltwunder der Antike. Für seine Heimatstadt baute er die riesige Statue der Athena Parthenos, die im Parthenon auf der Akropolis stand.

Polykletos und Contrapposto in der griechischen Skulptur

Polykletos, ein Zeitgenosse von Phidias, war auch ein Meister des klassischen Stils. Polykletos wurde zugeschrieben, einige der zentralen Ideen der antiken griechischen Kunst entwickelt zu haben.

Dazu gehörten die Betonung von ausgewogenen, idealisierten Proportionen und die Technik des Kontraposts – eine Figur verlagert ihr Gewicht auf einen Fuß, was abwechselnd ein Gefühl von Dynamik oder Entspannung erzeugt.

Die am meisten nachgeahmte Skulptur von Polykleitos war sein Doryphoros (oder Speerträger). Im Gegensatz zu den steifen Kouroi-Statuen der archaischen Zeit zeigte Polykletos' Aktfigur eine viel naturalistischere Pose.

Myron und antike griechische Kunst in Bewegung

Myron war ein weiterer Bildhauer des fünften Jahrhunderts, der aufbauend auf dem Werk von Polykletos den menschlichen Körper in Bewegung meisterhaft darstellte. Sein Ruf in der antiken griechischen Kunstwelt beruhte auf Statuen, die Sportler darstellen, von denen der berühmteste sein Diskobolos (oder Diskuswerfer) ist.

Spätere Schriftsteller in der Antike kritisierten jedoch die ruhigen Ausdrücke, die Myron und seine Zeitgenossen auf ihre Figuren modellierten. Dies spiegelte einen Geschmackswandel wider, da die hellenistische Zeit, die dem Klassizismus folgte, von Statuen geprägt war, die mehr auf Emotion als auf Ausgewogenheit und Proportionen ausgerichtet waren.

Was wurde aus der antiken griechischen Kunst?

Die Kunst dieser und anderer altgriechischer Meister ist verloren oder fragmentarisch. Aber viele Kopien berühmter Skulpturen wurden von den Römern angefertigt, die während der römischen Republik in die griechische Kultur verliebt waren. Diese Nachbildungen wurden aus Marmor hergestellt, der nicht wie die ursprünglichen Bronzestatuen eingeschmolzen werden konnte.

Auch die Werke von Phidias, Polykleitos und Myron wurden von griechischen und römischen Autoren während der gesamten Antike beschrieben und ihre Vorzüge diskutiert. Intellektuelle von Platon bis Plinius sorgten dafür, dass die Errungenschaften der antiken griechischen Kunst weiterleben würden, auch wenn die Bronzen dieser Künstler nicht überlebten.


PHIDIAS

Dieses Verhältnis wurde von den Griechen Goldener Schnitt oder Aurea-Proportion genannt. In der Welt der Mathematik wird der Zahlenwert „PHI“ genannt, benannt nach dem griechischen Bildhauer Phidias.

Phidias war ein griechischer Bildhauer, Maler und Architekt. Seine Zeus-Statue in Olympia war eines der sieben Weltwunder der Antike. Phidias entwarf auch die Statuen der Göttin Athena auf der Athener Akropolis, nämlich den Athena Parthenon im Parthenon, alle unter einem Aurea-Verhältnis

Phidias wird oft als die treibende Kraft hinter dem klassischen griechischen skulpturalen Design angesehen. Heute betrachten ihn die meisten Kritiker und Historiker als einen der größten aller antiken griechischen Bildhauer.

Diese Aurea Stone-Farbe ist nicht nur eine Hommage an den Entdecker von PHI, sondern ein Meisterwerk des Designs, das Ihre Räume mit Farben und Mustern füllt, die mit der Natur konkurrieren.

Raphael malt Weisheit, Händel singt sie, Phidias schnitzt sie, Shakespeare schreibt sie


Phidias - Geschichte

Der Pericles Cup ist im Epigraphischen Museum in Athen ausgestellt. Foto: Diane Harris Cline.

Menschen neigen dazu, besitzergreifend mit ihren Sachen umzugehen. Diese Gefühle sind menschlich, daher sollte es nicht überraschen, dass auch die alten Menschen besitzergreifend waren. Eine Möglichkeit, unsere Sachen zu schützen, besteht darin, sie zu kennzeichnen. Die alten Griechen waren in Bezug auf solche Praktiken nicht anders, darunter zwei berühmte aus dem fünften Jahrhundert v. u. Z. Athener: der Künstler Phidias und der Politiker Perikles, die die gleiche Besitzneigung aufwiesen.

1958 entdeckten deutsche Archäologen bei Ausgrabungen in der Nähe des Zeustempels in Olympia, Griechenland, einen kleinen Keramikbecher mit gerippten Wänden, der innen und außen schwarz bedeckt war. Auf dem Sockel waren die einfachen Worte „Ich gehöre zu Phidias“ eingraviert. Wir kennen diesen Mann – Phidias war ein berühmter Bildhauer, der vor allem für die überlebensgroße Athena-Statue auf der Akropolis in Athen und für die zweistöckige goldene und elfenbeinerne Kultstatue des Zeus at . bekannt ist Olympia, das als eines der sieben Weltwunder der Antike galt.

Es ist ungewöhnlich, etwas so direkt mit einem historischen Individuum in Verbindung zu bringen, aber es besteht kein Zweifel, dass dieser Kelch Phidias gehört haben muss. Was ging Phidias durch den Kopf, als er seinen Namen mit so etwas wie einem zahnärztlichen Werkzeug in die Keramikoberfläche ritzte?

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In der Mitte des 5. Jahrhunderts v. u. Z. beaufsichtigte Phidias viele Handwerker und Handwerker, die mit ihm zusammenarbeiteten, um die Zeus-Statue zu bauen. In Anbetracht einer so langen Bauzeit können wir uns vorstellen, dass ein Lieblingspokal verloren gehen könnte. Da wir hier seinen Namen haben, der lange nach der Herstellung des Bechers sehr sauber mit einem scharfen Werkzeug geschrieben wurde, lesen wir möglicherweise Briefe, die Phidias selbst geschrieben hat, weil er es satt hat, einen Becher zu viel zu verlieren. Sich den großen Künstler Phidias vorzustellen, der an diesem Artefakt nippt, Wasser und Wein trinkt (sie hatten noch keinen Kaffee oder Tee), während er in Olympia arbeitete, ist ein romantisches und doch wahrscheinlich realistisches Bild.

Im Gegensatz dazu zeigt unsere zweite Tasse eine andere Tendenz, die wir mit Menschen gemein haben, die vor langer Zeit gelebt haben, nämlich unseren Wunsch, ein Andenken zu bewahren, um Momente zu feiern, an die wir uns erinnern möchten. Später, wenn wir das Objekt betrachten, kommt eine Flut von Erinnerungen zurück, die uns helfen, diese Zeit noch ein wenig länger festzuhalten.

Im Sommer 2014 wurde ein Apartmentkomplex in einem Athener Vorort abgerissen. Archäologen durften einige Ausgrabungen durchführen, bevor an ihrer Stelle ein neues Bauwerk errichtet wurde. Sie fanden ein unauffälliges Grab mit nur wenigen Opfergaben darin. Aber ein Gegenstand erwies sich sowohl für uns als auch wahrscheinlich für seinen ursprünglichen Besitzer als wertvoller als Gold. Es ist eine zarte Tasse, die ursprünglich etwa 3 Zoll hoch war und in 12 Stücke zerbrochen gefunden wurde. Wie die Tasse von Phidias war sie innen und außen schwarz gefärbt, hatte zwei Henkel und dünne Wände.

Als die Archäologen die Fragmente wieder zusammensetzten, waren sie erstaunt, sechs Namen auf der Seite der Tasse zu sehen, die sie deutlich lesen konnten, aber nur, wenn sie sie so drehten, dass der Boden nach oben zeigte. Wer auch immer die Namen geschrieben hatte, hatte die Tasse zuerst auf den Kopf gestellt, als wäre sie gerade gewaschen und getrocknet worden. Dann schrieb er die Namen ein und zeichnete ein Kästchen darum. Die Namen lauten von oben nach unten: „Aristides, Diodotos, Daesimos, Arriphron, Pericles, Eukritos“. Auf der Basis befindet sich ein weiterer Name, Drapetis, was bedeutet, dass es insgesamt sieben Namen gibt.

Von den sieben Namen sticht uns Perikles ins Auge, denn so hieß einer der berühmtesten Athener, die je gelebt haben. Er war ein jährlich gewählter General, dessen aufstrebende Redekunst die Athener bis zu seinem Tod 429 v. u. Z. inspirierte und beeinflusste Geschichte des Peloponnesischen Krieges. Er war derjenige, der die Idee des Bauprogramms auf der Akropolis in Athen hatte, das den Parthenon und die Athena-Statue des Phidias umfasste. Ist das wirklich sein Name auf der Tasse, zusammen mit sechs Freunden oder Weggefährten?

Aus seinem Stammbaum wissen wir, dass Perikles einen älteren Bruder und einen Großvater hatte, die beide Arriphron hießen, was ansonsten ein sehr seltener Name ist. Auf dieser Tasse sind Perikles und Arriphron übereinander aufgeführt, wie es sich für Brüder gehört. Angelos Matthaiou, dessen Fachkenntnisse in der altgriechischen Schrift liegen, sagte, dass dies mit einer Wahrscheinlichkeit von 99 Prozent unser Perikles ist. Der Kelch stammt ungefähr aus dem Jahr 480-465 v. u. Z., als Perikles ein junger Mann in den Zwanzigern gewesen wäre.

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Was sollen wir von all diesen Personen halten? Vielleicht waren sie zu einem Symposium zusammengekommen, einer Art Zusammenkunft, bei der sich Männer auf Sofas zurücklehnten, Wein tranken und kleine Snacks aßen und reiche Gespräche führten. Bei Lampenlicht trugen unvergessliche Abende dazu bei, Freundschaften zu schließen, soziale Netzwerke zu schaffen und die Verbreitung von Neuigkeiten und Innovationen zu erleichtern. Altgriechische Männer (von höherer Wirtschaftsklasse) im gesamten Mittelmeerraum besuchten mehrmals in der Woche solche Veranstaltungen, einige waren unvergessliche Abende, die in jeder Hinsicht anregend waren. Jahrhundertelang war es ein Teil der griechischen Kultur.

Es ist nicht schwer vorstellbar, dass diese sieben Männer an einer solchen Party teilnahmen und dass einer von ihnen, vielleicht Drapetis, am Ende des Abends eine Tasse als Andenken mitnahm. Vielleicht hat einer von ihnen nach der Party ihren Namen als Andenken auf die Tasse geritzt. Die Namen der Männer in der Schachtel scheinen nur von einem Mann geschrieben worden zu sein, aber der Name unten, Drapetis, von einem anderen. Innerhalb eines Jahrzehnts wurde Perikles einflussreich, aber die anderen blieben relativ dunkel. Vielleicht hielt Drapetis den Kelch als wertvollen Besitz fest, um sich an die Nacht zu erinnern, als er in der Gegenwart des großen Mannes war. Als Drapetis starb, wurde er mit diesem wertvollsten Andenken an die beste Nacht seines Lebens begraben – den „Pericles Cup“, wie er heute heißt. Das ist ein mögliches Szenario, aber wir werden es nie genau wissen.

“Classical Corner: Phidias and Pericles: Hold My Wine” von Diane Harris Cline erschien ursprünglich in der Januar/Februar-Ausgabe 2019 von Biblische Archäologie Rezension.

Diane Harris Cline ist außerordentlicher Professor für Geschichte an der George Washington University und Autor von Die Griechen von National Geographic: Eine illustrierte Geschichte (2016).


Archimedes' Vermächtnis

Trotz der vielen fantastischen Geschichten rund um das Leben von Archimedes sind wir ihm für seine mathematischen Abhandlungen und seinen Beitrag zum Verständnis grundlegender physikalischer Phänomene zu Dank verpflichtet. Durch das Medium der Geometrie konnte er die Prinzipien für so grundlegende Geräte wie die Riemenscheibe, den Drehpunkt und den Hebel erläutern, die noch heute verwendet werden. Archimedes wird auch die Entdeckung des Auftriebsprinzips zugeschrieben, oder die Kraft einer Flüssigkeit, eine nach oben gerichtete Kraft auf einen darin befindlichen Körper auszuüben. Seine weitere Erforschung von Volumen und Dichte war grundlegend für die Entwicklung von Theorien der Hydrostatik – dem Teilgebiet der Physik, das sich mit ruhenden Flüssigkeiten befasst.

Die Geschichte vom Überleben der Abhandlungen von Archimedes bis in unsere Zeit ist kompliziert und kompliziert und wurde in außergewöhnlichen Details nachgezeichnet. Aber ein wesentlicher Punkt ist der: Durch drei Handschriften kennen wir die griechischen Texte der Abhandlungen des Archimedes. Von einem wurde das letzte Mal im Jahr 1311 gehört, von einem zweiten wurde zuletzt in den 1550er Jahren gehört, und das dritte ist The Archimedes Palimpsest, das sich heute im Walters Art Museum in Baltimore befindet und das Thema dieser Website ist. Denn dies ist erst der Anfang einer faszinierenden Geschichte.


Die erste Verwendung des Begriffs goldener Schnitt (Der goldene schnitt) stammt von dem deutschen Mathematiker Martin Ohm in seinem Buch "Reine elementare Mathematik" (1835). Seit Ohm haben verschiedene Autoren Theorien über das Vorhandensein des Verhältnisses zwischen dem Extrem und dem Mittel entwickelt, wie es in Buch 2, Proposition 11 von Euklid, definiert ist, insbesondere Jay Hambridge in seinem Buch "Dynamic Symmetry: The Greek Vase" (1920). Die Mystik des Abschnitts geht auf die Renaissance zurück und wird am besten durch das Buch Divina Proportione (Das Göttliche Verhältnis)(1509) von Luca Pacioli und Leonardo Da Vinci veranschaulicht. In der Neuzeit wurde die Theorie von Theodore Cook in seinem Buch von 1914 entwickelt, Die Kurven des Lebens: ein Bericht über Spiralformationen und ihre Anwendung auf das Wachstum in der Natur, auf die Wissenschaft und auf die Kunst mit besonderem Bezug auf die Manuskripte von Leonardo da Vinci., die 400 Seiten umfasste, in denen gezeigt wurde, wie der "Goldene Schnitt" angeblich überall war. Cook ist der erste, der die Verbindung zu Phidias herstellt und den Goldenen Schnitt sogar das "Verhältnis von Phidias" nennt. Die tatsächliche Beziehung zu Phidias scheint jedoch nicht von Cook, sondern von Le Corbusier popularisiert worden zu sein und wird in mehreren seiner Bücher erwähnt, zum Beispiel: Auf dem Weg zu einer neuen Architektur (1923), in dem er schreibt:

Phidias empfand so: Das Gebälk des Parthenon ist ein Zeuge.

Dies war eine neue Idee. Traditionell betrachteten die Alten die Verhältnisse der ganzen Zahlen als ideale Proportionen, wie in Platons Timaios beschrieben und von Vitruv detailliert beschrieben. Le Corbusier kanalisierte jedoch wahrscheinlich Hambridge und Cook, die mehrere Jahre vor ihm geschrieben hatten. Beachten Sie, dass viele Quellen erwähnen, dass der Mathematiker Mark Barr ursprünglich die Verbindung zu Phidias herstellte, aber dies ist rein apokryph, da Barr nie so etwas veröffentlicht hat und der einzige, der jemals behauptete, dass es Barrs Idee war, war Cook in seinem Buch Curves of Life , der vielleicht gerade diese völlig ungestützte Bemerkung über Barr gemacht hat, um seinen eigenen Ideen Glauben zu schenken.


Phidias

(490?–430? v. Chr.). Der Athener Bildhauer Phidias, der den Bau des Parthenon und der Götterstatuen leitete, leitete den griechischen klassischen Kunststil ein. Er allein, so hieß es, habe die Götter gesehen und für andere sichtbar gemacht.

Phidias wurde um 490 v. Chr. in Athen geboren. Zu seinen frühesten Werken gehört eine Bronzestatue der Athena, um den Sieg der Griechen über die Perser in der Schlacht von Marathon zu feiern. Um 456 v. Chr. wurde die Statue auf der Akropolis in Athen aufgestellt. Mit einer Höhe von etwa 9 Metern war es die größte Statue, die jemals in Athen errichtet wurde.

Die Perser waren zweimal in Athen eingefallen und hatten die Stadt geplündert, was die Athener zur Flucht zwang. Bei ihrer Rückkehr hatten die Athener ihre Häuser und Tempel zerstört vorgefunden. Alles auf der Akropolis wurde zerstört und alle ihre Verteidiger getötet. Der Staatsmann Perikles überredete die Athener Versammlung zu einem großen Bauprogramm, und 447 v. Chr. ernannte Perikles Phidias zum künstlerischen Leiter, um den Wiederaufbau zu beaufsichtigen. Phidias entwarf und überwachte den Bau des Parthenon, des prächtigen Athena-Tempels auf der Akropolis. Er selbst schuf die goldene und elfenbeinerne Athena-Statue, die im Parthenon stand und 438 v. Chr. Der Göttin geweiht wurde (sehen Akropolis). Er entwarf auch die 92 Reliefschnitzereien entlang der Außenseite sowie den Fries, der sich um die Oberseite der Wände erstreckte.

Die letzten Jahre von Phidias bleiben ein Rätsel. 432 v. Chr. beschuldigten die Feinde des Perikles Phidias, Gold von der Athena-Statue gestohlen zu haben, aber Phidias hatte das Gold so aufgetragen, dass er es abschälen und beweisen konnte, dass keines fehlte. Sie beschuldigten ihn dann der Gottlosigkeit, weil er Porträts von sich und Perikles auf dem Schild der Athena aufgenommen hatte. Es wurde angenommen, dass er kurz darauf im Gefängnis gestorben sein könnte, aber jetzt wird angenommen, dass er nach Elis verbannt wurde, wo er die Statue des olympischen Zeus schuf. Dieses Meisterwerk, eine riesige Zeus-Statue für den olympischen Tempel in Elis, war eines der sieben Weltwunder der Antike.


Überseemission: Die Geschichte und Entwicklung der Vacheron Constantin Overseas

Vacheron Constantins Die sportlich-luxuriöse Overseas-Kollektion, die ihre Wurzeln in einem Jubiläumsmodell in den 1970er Jahren hat, ist zu einem vielseitigen und entschieden modernen Eckpfeiler der historischen Maison's Portfolio.

Die Mitte der 1970er Jahre gilt weithin als eine bedauerliche Ära für die Mode, aber ein Modeaccessoire, die Armbanduhr, erlebte eine Renaissance. Genauer gesagt hat sich in den 70er Jahren der Stil etabliert, den wir gemeinhin als Sport-Luxus bezeichnen. Basisstücke wie die Audemars Piguet Royal Oak im Jahr 1972 und die Patek Philippe Nautilus im Jahr 1976 bilden die Bühne für viele, die ihnen folgen werden, und überbrücken die Kluft zwischen klassischer Eleganz und maskuliner Robustheit. Nur wenige hätten so mutige Abweichungen von der Heritage Watch erwartet Maisons wie damals Audemars und Patek, und sicherlich noch weniger hätten sich den Zeitmesser vorgestellt, den der Schweizer Vacheron Constantin Herstellung noch älter und ebenso der Tradition verpflichtet, im Jahr 1977 zum 222.

Die schlicht benannte Vacheron Constantin 222 war bemerkenswert und zu dieser Zeit als etwas radikal angesehen für ihr Monoblock-Stahlgehäuse, das integrierte Stahlarmband mit sechseckigen Mittelgliedern und die bogenförmige, verschraubte Lünette, die an die emblematische achteckige Lünetten, die die Royal Oak und Nautilus definiert haben.

Der Vacheron Constantin 222 debütierte 1977.

Getreu den historisch zurückhaltenden Proportionen von Vacheron war der 222 im Profil schlank – 7,2 mm dick bei einem Durchmesser von 37 mm. Es enthielt ein ähnlich dünnes Schweizer Automatikwerk, das Kaliber 1121 von Vacheron, das auf dem berühmten Kaliber 920 von Jaeger-LeCoultre basiert. Auch in der frühen Nautilus und Royal Oak zu finden, zählt dieses Uhrwerk noch immer zu den flachsten Automatikkalibern der Welt. Um 5 Uhr an der Ecke des Gehäuses wurde der Keim gelegt, aus dem in zwei Jahrzehnten eine langlebigere Uhrenfamilie erblühen sollte - ein kleines, eingelegtes Malteserkreuz, das Vacheron Constantin bereits 1880 als Markenikone annahm, und die das ästhetische Fundament der modernen Overseas-Kollektion bildeten.

Die 222 wird oft in Kurzform als direkte Inspiration für die Übersee beschrieben, aber laut Christian Selmoni, Heritage Director von Vacheron Constantin, ist die Geschichte etwas komplizierter. „Die Idee war wirklich nicht, eine offensichtliche Verbindung zwischen dem Triple Two und den Overseas herzustellen“, beschreibt Selmoni den hauseigenen Jargon für den 222 und beschreibt den Ausgangspunkt für die moderne Kollektion. „Bei Vacheron Constantin ging es eher darum, einen neuen Weg zu finden, um Sport und Eleganz auszudrücken, und die Triple Two ist ein glaubwürdiges Beispiel. Die Gemeinsamkeiten zwischen den beiden Uhren sind das tonnenförmige Gehäuse und die sogenannte Flat-Table-Lünette, aber die Armbänder und deren Einbau waren schon immer sehr unterschiedlich. Wir betrachten den Overseas nicht wirklich als Weiterentwicklung des 222.”

Vintage-Anzeige für den 222

Weil die 222 gefangen genommen wurde den Sport-Luxus-Zeitgeist der Siebziger auf so vertraute Weise und stammt aus derselben Ära, dass einst weithin angenommen wurde, dass er zu den Ideen des produktiven Gérald Genta gehörte, der sowohl die Royal Oak als auch die Nautilus sowie einen weiteren anerkannten Pionier des Genres, IWCs 1976er Überarbeitung der Ingenieur. Tatsächlich war die kreative Kraft hinter der 222 Jörg Hysek, ein in Berlin geborener ehemaliger Rolex-Designer, der wie Genta Jahre später seine eigene gleichnamige Uhrenmarke gründete, nachdem er sein Handwerk für so unterschiedliche Marken wie Breguet, Tiffany . ausgeübt hatte &. Co. und Seiko.

Vacheron hat von der 222 nicht so viele Teile hergestellt: nur rund 500 Modelle in Stahl und deutlich weniger in Gold und Bi-Material Stahl-Gold. Its production was discontinued in 1985. Nevertheless, the company followed up the 222 in 1984 with a model called the 333, which retained the integrated bracelet but swapped out its predecessor’s tonneau case with an octagonal one. On the heels of that short- lived model came the Phidias, with a rounded case flowing into an integrated bracelet, which introduced complications like chronographs and GMTs into the series.

The 333 (above) and Phidias (below) followed the 222 onto the market.

It was in 1996 — with the sleeping giant that was the luxury mechanical watch just beginning to stir after years of quartz-watch market dominance — that the first model called “Overseas” was launched. Vacheron Constantin was on its way to being acquired by the Vendôme Group (now known as Richemont) and one of the manufacture’s first major releases under the new ownership, a return to the newly energized sport-luxury market, was already underway. Spearheaded by Vacheron Constantin’s head of design Vincent Kaufmann, and another well-regarded gun-for-hire in the wristwatch design arena, Dino Modolo, the Overseas was envisioned as a return to a more “disruptive” style of sporty watch, according to Selmoni. “The Phidias had very much the look of a 1980s watch, in my opinion,” he says. “The idea for the Overseas One was to come back to a more sporty character — using steel was a must, but the watch had to be elegant, sophisticated, and refined as well as sporty. We were all very enthusiastic about the design, which integrated our Maltese Cross.”

The tonneau-shaped case of the first-generation men’s Overseas replicated the dimensions of the 222 at 37 mm (the trend for much larger timepieces was still over the horizon), but in this model the notched bezel of the 1970s watch — somewhat reminiscent of a knob or a bottle cap — was replaced by a more distinctive, eight-sided type that replicated the arrowhead-shaped quadrilaterals of the Maltese cross. Inside the case, Vacheron installed a self-winding movement it dubbed Caliber 1310, which used a Girard-Perregaux 3100 caliber as its base. Vacheron Constantin added a chronograph version of the Overseas in 1999, powered by Caliber 1137, based on the column-wheel chronograph-equipped Frédéric Piguet Caliber 1185.

The phase one version of the Overseas Chronograph had a Maltese cross theme in its bezel. Vintage ad for the Phase One Overseas

With its new, immediately recognizable bezel, the Overseas had begun to break away from the design language of both the 222, which was its closest aesthetic ancestor, and the classic 1970s Genta watches to which it had always been compared. But something was still missing. Once again, Vacheron’s venerable icon, the Maltese cross, would provide the key to the next evolution.

The renaissance of the hyper-masculine sport-luxury watch was in full swing by 2004, when Vacheron Constantin unveiled the Overseas “Phase 2” edition, which debuted in a three-hand model and a chronograph with large date. In keeping with market trends in the early-to-mid-aughts, its case was bulked up, to 42 mm, and a decorative, textured pattern was added to the dials. Vacheron did away with the crown guards of the Phase 1 series, making for a more stream- lined look. The all-important Maltese-cross-themed bezel was still present — the theme was also recognizable in the dial’s pattern — but what really separated the Phase 2 model was the use of the same visual motif for an updated and much more distinctive bracelet the bracelet’s links were now shaped like half-Maltese crosses, and the center link now extended up to the bezel for a more seamless integration into the case. Even the buckle and the crown were updated to visually evoke the ancient symbol. On the technical side, Vacheron added a soft-iron inner cage inside the case for a greater degree of antimagnetic protection. “It was an era of bigger, more assertive watches,” Selmoni recalls, “and in our internal discussions, we realized that the bracelet was the element that really needed an update to give the watch that power and assertiveness. In the final design, we used the Maltese cross almost everywhere, along with making the watch larger.”

Overseas Phase 2 (Chronograph version pictured above) extended the Maltese cross motif to the bracelet.

In 2006, and in keeping with the era’s craze for more complications as well as more girth in its watches, came the first Overseas Dual Time model — at some point, someone realized that a watch called “Overseas” needed a function for world travelers — powered by Caliber VC1222, based on the Jaeger-LeCoultre 920. The first Overseas on an integrated rubber strap, rather than the traditional bracelet, followed a year later, and a slew of increasingly complicated time- pieces in the collection swiftly followed, including a perpetual calendar chronograph.

In its Phase 2 iteration, the Overseas had firmly earned its spot in the upper echelon of easily recognizable sport-luxury timepieces with 1970s roots. The only element that hadn’t yet been added was the one for which Vacheron Constantin had become known in the 21st century: an honest- to-gosh manufacture movement, rather then one based on an outsourced caliber from one of its high-horology peers like Jaeger-LeCoultre or Girard-Perregaux. That finally changed in 2016, with the most recent revamp of the Overseas.

In Phase Three, the bezel was streamlined from eight sides to six.

Overseas Phase 3, under the creative direction of Kaufmann, brought the watch’s overall dimensions back to a slightly more restrained level — 41 mm, down from 42 mm, for the basic three-hand “Self-Winding” model, and a relatively svelte 11 mm tall. The Maltese cross bezel — which coincidentally or not, based on the collection’s nautical name, had come to resemble a ship’s steering wheel — was scaled down from eight “spokes” to six. (Perhaps losing the octagonal aesthetic was the last word in separating the Overseas from its longtime peers, the Royal Oak and Nautilus.) More significantly, Vacheron Constantin finally installed its own in-house calibers in its Overseas watches, three of which were developed specially for the collection: the base Caliber 5100, powering the three-hand models in place of the JLC-based movement the column-wheel-equipped 5200, replacing the Frédéric Piguet movement inside the 42.5-mm chronograph models and the 5300, a smaller movement developed for the modern Overseas ladies’ or “Small” models — which, at 37 mm in diameter, returned at least part of the series to its modestly sized roots.

A new interchangeable strap system debuted in Phase Three.

Comparing the Phase 2 to the Phase 3 Overseas, Selmoni is matter-of-fact. “We lost a bit of the elegance of the original Overseas,” he says of the former, “but you have to look at in the context of the 2000s. It was a great success but it was very much rooted in that era, and missing the refine- ments that you might find on a Patrimony, for example. We wanted to incorporate more sophistication and elegance in the next generation. We wanted to add a little touch of ‘vintage’ to the design, which meant going a bit more toward the Triple Two. And we wanted to bring the design back in-house. It was really a team effort, and it was really the most difficult generation of Overseas to design.”

In Phase 3, Vacheron didn’t wait several years to trot out all the most complicated models. Debuting alongside the three-hand, chronograph, and high-jewelry ladies’ editions at SIHH 2016 was the Overseas Perpetual Calendar Ultra Thin, outfitted with Vacheron’s wafer-like manufacture Caliber 1120 QP, a movement that had already wowed the watch community inside the elegant Patrimony collection. All of the calibers used in the Overseas Phase 3 models bore a new element tying them indelibly to the collection — a sold gold rotor emblazoned with a wind rose, a historical nautical device found on a compass. All of them also earn the prestigious poinçon de Genève, or Geneva Hallmark — a distinction in which Vacheron’s watchmakers have long taken pride.

The gold rotors in modern Overseas models are enhanced with a wind rose.

Vacheron, of course, was eager to put these new, attractive calibers on display behind exhibition casebacks, as per modern custom. However, it also wanted to continue protecting them from the ill effects of magnetism inside a soft iron inner cage, as in the previous models. Kaufmann and his team hit upon a clever solution: instead of the typical design of such a cage, in which the shell covers the back of the movement, this one is positioned just inside a casing ring that is steeply angled toward the back, protecting the movement without covering it entirely.

The final and most contemporary addition in Phase 3, and another feature entirely new to the über-traditional Vacheron, was the addition of an “easy-fit” interchangeable strap and bracelet system, which allows wearers to change between bracelet and strap options without the need for a tool, simply by twisting the bracelet via the lugs by 180 degrees.

Even the clasp bears the aesthetic influence of the Maltese cross.

The revamped Overseas collection quickly began to grow in the wake of its celebrated debut in Geneva. Later that same year, Vacheron added a World Time model to the family, slightly bigger at 43.5 mm, equipping it with the ultra-sophisticated Caliber 2460WT, which famously debuted in a Patrimony model in 2011. Vacheron is justly proud of this movement, one of the few in the horological universe that can display all 37 world time zones rather than the standard 24 based on Greenwich Mean Time. In 2019, the Overseas Tourbillon debuted, impressing watch aficionados with its ultra-thin profile (thanks to its use of a peripheral rotor in the movement, Caliber 2160), its 80-hour power reserve, and its gorgeous blue dial, which Selmoni says uses a secret sauce of electroplating, varnish and lacquer to achieve its vibrancy.

Overseas Dual Time

The Overseas Dual Time, a practical complication that joined the collection in Phase 2, made its return, now also boasting a manufacture movement, Vacheron’s Caliber 5110 DT, derived from the base 5110 movement. Its signature function is the simultaneous reading of two time zones on co-axial hands: the main hour hand indicates local time in the wearer’s current location, while the triangular-tipped GMT hand points to the reference time on the 12-hour scale, which is linked to the day-night (“AM/PM”) indicator at 9 o’clock, allowing a traveler wearing the watch to determine at a glance if it’s daytime or nighttime back home.

In 2020, Vacheron Constantin unveiled a version of its Overseas Perpetual Calendar with a blue lacquer dial.

More recently, as part of the digital-platformed Watches & Wonders 2020 exhibition that stood in for the planned, pandemic-scuttled live event in Geneva, Vacheron Constantin revisited its most high-complication Overseas model, the Perpetual Calendar, in two distinct executions, both in rose-gold cases. One version features the lacquered blue dial that has become a mainstay of the collection the other model is the first Overseas with a skeletonized dial. For the latter, Vacheron Constantin meticulously stripped down the self-winding Caliber 1120 QP/1 to its essentials and replaced the solid gold wind-rose rotor with a black NAC-treated oscillating mass that incorporates the ubiquitous Maltese cross shape. Through the sapphire dial, with four white disks displaying the calendar indications in a classical cloverleaf design, one can glimpse the ornate engravings, straight- grained and beveled edges, circular brushing, sunburst finishing, and other elements that elevate the timepiece from its sport-watch basics to the highest levels of haute horlogerie. Like the rest of the collection, it is offered with three quick- change bracelets — one in rose gold, one in blue alligator leather, one in textured blue rubber.

The Overseas Perpetual Calendar appeared in a skeleton version in 2020.

It is perhaps inevitable that the Vacheron Contantin Overseas will always be grouped among, and compared and contrasted with, the other iconic 1970s sport-luxury timepieces — despite the fact that the Overseas is actually several decades younger. What sets it apart, however, is the fact that while its design origins are traced to the same era, the Overseas has evolved more profoundly than any of its peers, representing for a growing contemporary audience an ideal amalgam of vintage and modern appeal.


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